Black & Blue Festival, Varese 22.7.2012

Mason Casey & Jaime Dolce / Mz Dee & Pugno Large Band

La serata conclusiva del Black & Blue Festival, alla fine di una programmazione cominciata il 5 luglio, ha proposto due set molto differenti fra loro.
Mason Casey e Jaime Dolce sono due autonomi rappresentanti del rock/blues di New York, ma qui si sono presentati come duo. Il primo è cresciuto musicalmente negli anni 1990 nello stesso ambiente di Popa Chubby, con il quale ha registrato i suoi primi tre dischi e, anche se non conosco a fondo i due personaggi, ho subito pensato che l’armonica di Casey come carattere può essere paragonata alla chitarra di Chubby.
Il termine “muscolare” usato nel volantino è appropriato, anche se là è in senso positivo, o forse neutro. Per me invece è un peccato che il muscolo sia appunto del genere di Chubby, e che quindi con l’arte del blues abbia poco in comune al di là del materiale dal quale pesca (lo stesso che hanno in eredità tutti i musicisti americani) o del richiamo alle grandi personalità del passato a cui sembra ispirarsi, più come approccio “viscerale” che come lezione musicale (da ciò che ho sentito quella sera, direi John Lee Hooker, Howlin’ Wolf, Hound Dog Taylor).
Jaime Scott Dolce è un italoamericano di Brooklyn e l’amicizia con Casey risale a molti anni fa, quando il chitarrista suonava nella sua band e in quella di Sugar Blue, avviando nel frattempo una carriera in proprio nell’area newyorchese e cominciando alla fine degli anni 1990 a esibirsi in molti festival italiani ed europei. È facile identificarlo come un ennesimo emulo di Hendrix e non solo perché usa una riedizione della sua Stratocaster bianca, con pick-up originali del 1969 ed effetto fuzz fatto costruire da un artigiano di Parma, dove ha trovato moglie e casa.
La produzione solista di Dolce è più lontana dal blues di quanto non sia quella di Casey, ma qui ha fatto le veci di accompagnatore, lasciando quindi la conduzione all’armonicista, il quale a un certo punto ha avvertito (o rassicurato) il pubblico: “In fin dei conti siamo a un festival blues”.

Il loro breve set si è svolto su alcuni classici, lasciando poco spazio ai brani originali di Casey; ciò non ha evitato sonorità di grana grossa, con volume piuttosto pompato.
Ancor più alieno è il canto da rocker, tanto che non ho capito se è la sua natura, da tipo pieno di nervo qual è, e questa è la sua visione del blues, oppure se l’approccio grintoso è una messinscena o, peggio, se è parte della convinzione diffusa sul fatto che la vecchia musica del diavolo debba aver sembianze banalmente rock per interessare le generazioni odierne. È stato un momento piacevole quando non ha cantato, esibendo la sua bravura all’armonica in uno strumentale dinamico a tempo di rumba, Cuban Groovin’, autografo ma ispirato ai brani con inflessione latina degli armonicisti neri degli anni 1950/1960, anche se Dolce non ha potuto rendere i ritmi cubani.
Per il resto, Boogie Chillen e It Serves Me Right to Suffer di John Lee Hooker hanno perso la magia ipnotica degli originali, diventando terreno fertile e aperto per sperimentazioni. Baby, What You Want Me to Do ha seguito la stessa linea, mentre in Five Long Years Casey ha sfoderato la cromatica per un suono ancor più spesso, che però non ha trasmesso la poesia della composizione di Eddie Boyd, e se poi la paragoniamo a quella di Kim Wilson ci esce come minimo con le ossa rotte. Come ha detto lui stesso ora vive a Los Angeles (sotto l’ala del produttore/autore Jon Tiven), ma per un paio d’anni è vissuto in Olanda: Goin’ Back to Amsterdam è il suo tributo all’esperienza. Soprattutto è il simbolo dei suoi ricordi migliori sulla città e della sua crociata per la legalizzazione della marijuana, anticipato da un piccolo e divertente discorso molto chiaro sulla sua posizione a riguardo.
Casey ha una simpatia istintiva, è attento agli umori del pubblico, con il quale dialoga in modo ironico e spiritoso, e sa usare al meglio fisicità e carisma per catturare l’attenzione dal palcoscenico e dalle copertine dei dischi, ma ama esprimersi in grassetto, non dosando la sua energia vocale e strumentale (quest’ultima per certi versi ricorda quella dei grandi William Clarke e Magic Dick, purtroppo per lui non la stessa classe) eludendo quindi profondità e dettaglio. La chiusura è affidata al tagliente Boogie All Night eseguito con il mordente necessario, ma dal suono sempre troppo voluminoso e aggressivo per i miei gusti.

In un’intervista condotta da Crystal White Mz Dee dichiara d’essere cresciuta in chiesa, avendo avuto mamma e nonna direttrici di coro. Racconta che la madre (Rochon Hemmans, nota nella Bay Area di San Francisco come organista e arrangiatrice di talento) la teneva in grembo mentre suonava l’organo, eseguendo oltre al gospel anche musica classica.
Nata a Oakland, California, come Dejuana R. Logwood e conosciuta nel vicinato con il nome di Little Dee, nella stessa intervista dichiara che agli inizi cantava canzoni popolari con una voce terribile (“tutti mi dicevano di non lasciare il mio lavoro diurno”), riuscendo poi a farsi l’orecchio grazie alle lezioni di pianoforte. Finirà nei quindici anni successivi a collaborare con diverse personalità della scena americana (tra le quali Ruth Brown), e incidendo il suo primo album, Real Woman, Real Soul, nel 2005.
Ho già parlato di Maurizio Pugno e Gio Rossi qualche anno fa dopo averli sentiti al Rootsway in compagnia di Lynwood Slim, avendone una discreta impressione pur se in quella occasione si trattò di una collaborazione estemporanea e non collaudata. In questo caso la situazione è diversa essendo il Pugno Organ Trio, con Alberto Marsico all’organo a coprire anche le parti di basso, il core della band di Mz Dee da un po’ di tempo, almeno per la situazione europea. La versione allargata del gruppo con la sezione fiati, Pugno Large Band, ha inciso con la cantante un disco, Letters from the Bootland, con l’aggiunta di un coro femminile (The Sublimes, nel disco si sente molto che è italiano), produzione in cui Pugno ha assunto anche il ruolo di coautore con Mz Dee di tutti i brani originali (otto su dodici) e di arrangiatore, ruolo quest’ultimo assunto anche da altri componenti la band.

Per annunciare Mz Dee, il gruppo, con una sezione fiati composta da Mirko Pugno, tromba, Cristiano Arcelli, sax alto, Diego Borotti, sax tenore e Andrea Angeloni, trombone, intona uno strumentale à la Bill Doggett, basato sul suono nodoso dell’organo portatile fake Hammond (a doppia tastiera ma senza pedaliera) di Marsico.
Scelta azzeccata proporre il bellissimo Drowning on Dry Land, brano che avevo quasi dimenticato dall’inimitabile Albert King, qui proposto con approccio funky/soul, mentre il jump a tempo medio Sugarman, Sugarman è uno swing originale tratto dal disco, anche questo di buona fattura, ma di concezione piuttosto mainstream.
È preso invece da Al Kooper il superbo lento I Love You More than You’ll Ever Know, ballata in cui Dee comincia a svelare le sue capacità interpretative, la naturale vena gospel/soul e una voce calda e umorale, capace anche di toni bassi, poi l’R&B a tempo moderato Sticky Situation, precisando che le è stato ispirato da esperienze reali (qui mi sembra di sentire l’influenza di Ruth Brown).
Autografo anche In All of My Dreams, un soul lento e melodico di stampo moderno, mentre in Desire Street la sezione fiati ha occasione di mostrarsi in un godibile uptempo ispirato al jazz tradizionale di New Orleans, ancora con approccio pulito e come da spartito, senza accenno a un’interpretazione che sia un po’ meno formale, qualcosa che odori di vissuto e non di scuola.

In un’epoca in cui si sente rock o altro nei festival blues dovrei accontentarmi e pensare che è molto meglio questo piuttosto che suoni sgradevoli o non inerenti a quella musica, ma è proprio nei casi in cui appare una certa attitudine che lamento di più il bisogno di sentire qualcosa che vada oltre il mestiere, oltre a come farebbe l’orchestra della RAI in un gala televisivo, qualcosa che ha a che fare con l’anima di un artista, il cosiddetto surplus.
Going Down Slow di Jimmy Oden è riconoscibile soprattutto dal suo tipico riff e dal testo, per il resto diventa un funky/soul mid-tempo; questo arrangiamento ci può anche stare, ma l’esecuzione è di nuovo patinata, senza spessore. Spazi solistici sono lasciati al chitarrista e all’organista, mentre Stormy Monday invece sembra proposta solo per permettere a Pugno, Marsico e Rossi un po’ di show.
Molto interessante A Mind to Give It Up, che non mi sembra d’aver sentito altrove; se è un originale è molto buono, sia dal punto di vista testuale che musicale. Pugno è un bravo chitarrista, ma è un po’ asettico e da Ronnie Earl ha preso abbastanza, purtroppo non la capacità di rilasciare emozioni.

Keep Your Girlfriends Away from Me è un altro piacevole swing tratto dal disco, in stile Route 66 (ad es., l’elenco dei nomi delle girlfriend al posto delle città), buon terreno per l’organo di Marsico, mentre sento di nuovo I’d Rather Go Blind di Etta James in una versione troppo allungata. Sembra che le cantanti moderne non ne possano fare a meno (il nucleo originale attira a essere sviluppato) e sentano l’esigenza di sfruttarla al massimo anche su disco, tirandola, dimenticando che qui il rendimento non ha a che vedere con la durata.
La versione originale di Etta, rilasciata negli studi di Muscle Shoals, dura poco più di due minuti e mezzo; vero è che come singolo all’epoca doveva esser così per motivi discografici, eppure è molto più forte di quelle di oggi che durano il doppio o il triplo: condensa l’idea, non la tiene lunga e arriva molto di più. Rimane un bellissimo brano, ben fatto anche qui, ma solo se non si conosce l’originale, perché la concisione, se non manca d’efficacia comunicativa, è ancora un gran talento.
Nothing but the Radio On è un blues/funky/soul autografo, qua uno dei brani meglio concepiti e riusciti, carico e divertente, mentre la chiusura è affidata a That’s the Way God Planned It di Billy Preston, canzone che soddisfa il bisogno gospel di Mz Dee, con accelerata finale.
E forse Dio o chi per lui non ha previsto la nostra fine quella sera, dato che sull’autostrada del ritorno, alle due di notte, abbiamo evitato un incidente che avrebbe potuto andare a finire molto male. Ho visto e capito poco, nel buio: ricordo solo un camion fermo in mezzo alla corsia di marcia, i fari rossi suoi e di una macchina lì vicino che sono diventati di colpo vicinissimi nonostante la nostra lunghissima frenata, un uomo in piedi con in mano un tubo fosforescente, e uno sbandamento dovuto a della ghiaia sull’asfalto. Mentre evitavamo l’impatto trovando via libera nella corsia destra, c’è stato un ulteriore spavento quando sulla macchina è piovuta una fitta sassaiola da non so dove, forse tirata su da noi o da un’altra macchina. That’s the way it is!

Confermo l’impressione su Maurizio Pugno leggibile nell’altro articolo, devo però marcare ancora la mancanza di un approccio old school a favore di un suono aggiornato, cioè un modello imitativo di musicisti bianchi americani contemporanei che hanno sviluppato un proprio linguaggio partendo però direttamente dalla matrice. Sembra che i punti di riferimento siano solo nei dischi degli anni 1980/1990.
E non si può dire che Gio Rossi non sia un buon batterista, però non è un batterista dalla sensibilità blues, così come Marsico non è un pianista blues, ma entrambi potrebbero diventarlo se volessero. Per quanto riguarda i fiati il discorso è ancora più accentuato. Capisco la difficoltà di trovare buoni sassofoni, tromboni e trombe di ambito southern soul o R&B tradizionale (proprio perché manca la scuola, la cultura), e allora dove li si pesca? Anche loro tra i jazzisti, che poi quasi sempre in Italia jazz significa musica formale per piccole orchestre.
Chiaro è che per “scuola” intendo una cultura diffusa che spinga coloro che vogliano avvicinarsi in modo pertinente al blues a farsi le proprie ricerche e lezioni nell’immensa eredità che gli afroamericani hanno lasciato, quando non sia possibile anche studiare direttamente in USA dai pochi maestri rimasti e suonare con loro. E qualora si suonasse a fianco di uno o più grandi, che sia per caso o merito, bisognerebbe ritenerla sempre come una lezione primaria, non come punto di arrivo. Il problema è anche che molti suonatori di “blues” nostrani si mettono in testa di viverci con la musica e allora fanno i turnisti, invece di studiare e applicarsi alla materia a occhi bendati e orecchie aperte, con il risultato che s’adattano a suonare con chiunque e in svariate situazioni, che solitamente in Italia hanno ben poco a che fare con quella musica.
Non è così che il blues si vive e si suona e non è così che si forma una classe di musicisti blues, di solisti e di accompagnatori, al di là che ci si continui a mantenere o no con un “vero” lavoro, come da sempre hanno fatto i bluesman.